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lunes, 2 de febrero de 2015

LA HISTORIA DE MARIE HEURTIN



La Historia de Marie Heurtin, es una película francesa que compitió en la sección oficial de la Seminci 2014. El argumento de este film transcurre en la Francia de finales del siglo XIX y está basado en la vida real de su protagonista, Marie Heurtin, interpretado por Ariana Rivoire. Una adolescente de 14 años sorda y ciega de nacimiento que es incapaz de comunicarse. Su padre, un humilde artesano, no puede pagar el ingreso de la niña en un asilo, con lo que desesperado, acude al instituto Larnay cerca de Poitiers, donde las monjas cuidan de mujeres sordas. A pesar de la negativa de la Madre Superiora, la hermana Marguerite (Isabelle Carré), –una monja joven que se empeña en enseñar a esta “pequeña salvaje” y acogerla bajo su tutela–, hace todo lo humanamente posible para educarla y sacarla de la oscuridad. Las dos, mantienen a lo largo de toda la cinta, brutales combates. Una negándose a aceptar imposiciones que no necesita para seguir viva y feliz, mientras que la otra, pone a prueba su fe, no rindiéndose a la frustración o a los prejuicios de los demás.
Teniendo en cuenta que el concepto de Necesidades Educativas Especiales (NEE) no se empezó a usar hasta la década de los 70, en el siglo XX, esta institución de religiosas fue una adelantada a su época. A día de hoy se calcula que en España haya entre 4.000 y 6.000 personas sordo ciegas, aunque la ONCE no cuenta con más de un millar de afiliadas, por lo que son cálculos muy aproximados. Pero más allá de la cifra, tengamos en cuenta que existe esta peculiar realidad, esas Maries que pueden, y deben, tener acceso a una educación y una vida como las de cualquier otro ser humano.
La verdadera Marie Heurtin, nació en 1885 en una familia en la que cinco de los nueve hijos eran sordos o sordo ciegos. Pasó una década en casa, sin apenas recibir ningún tipo de educación más allá del afecto de sus padres en mitad de la Bretaña francesa. A pesar de su sordera y ceguera, vivió hasta los 36 años de edad dedicando el resto de su vida a ayudar a otras niñas sordas, enseñándoles a comunicarse para que consigan tener una existencia digna.


Jean–Pierre Améris nació en Francia en 1961, es director y guionista, habiendo hecho 12 películas desde 1993.
En La Historia de Marie Heurtin quiso rescatar del olvido este drama dulce siendo su único objetivo plasmar la historia desconocida y olvidada de esta niña.
La película es pura poesía, adentrándose en detalles que nos permiten apreciar como Marie se relaciona con el mundo a través de sus dedos, del tacto de su piel y de su olfato. Por más manuales de educación especial que lleguen a leer, el crujir de las hojas de un árbol, el calor de un tazón de sopa o el juego en el que se puede transformar un riachuelo con agua para salpicar, son algunos de los milagros diarios que vive Marie.

Para construir este largometraje, Améris se ha basado en los documentos que dejó escritos la protagonista de la historia y, en sus propias vivencias con los niños sordo– ciegos que, hoy acuden al mismo instituto en el que aprendió el lenguaje de signos Marie Heurtin.

"Quiero sacar del olvido una historia que habla de los seres humanos, de la superación y de la capacidad de ayudar a otros. Porque no es sólo un relato sobre el aprendizaje sino de la transmisión y el intercambio entre las dos protagonistas. Ya que la película lanza al espectador el mensaje de que es mejor aprender de las "personas diferentes" que dejarlas a un lado. Pues el sentido de mi cine es poner en el centro de la pantalla a aquellas personas que la sociedad deja a los lados, y espero que esta película ayude a comprender la realidad del colectivo de las personas sordo–ciegas y pueda mejorar la proyección de películas para personas sordas y ciegas en Francia”.
Explica su director.

Ariana Rivoire, de nacionalidad francesa, nació sorda en una familia de oyentes. A los 16 años estaba estudiando en el Instituto Nacional para Jóvenes Sordos Chambery, cuando el director Jean–Pierre Améris –después de visitar muchos institutos de jóvenes sordos–, apareció por allí buscando a la protagonista para su película. Se encontró con Ariana por los pasillos y esta le dijo –con ayuda de un interprete de la lengua de signos– que había olvidado apuntarse al casting. Jean–Pierre le explicó el proyecto y enseguida se dio cuenta que había encontrado a Marie Heurtin.


Para el papel de la religiosa, el director siempre pensó en Isabelle Carré, actriz francesa nacida en 1971 con la que ya había trabajado en su cinta “Tímidos anónimos” y la que cuenta con un gran bagaje profesional de más de 70 filmes a sus espaldas y un premio Cesar a la mejor actriz 2001, por la película Souvenir des Belles Choses. Habiendo sido nominada otras seis veces más. Casada con el productor cinematográfico Bruno Pesery, Isabelle Carré puso su gran talento al servicio del personaje Hermana Marguerite y para ello tuvo que estar seis meses aprendiendo el lenguaje de signos.
Una emocionante e inspiradora historia verdadera ocurrida en Francia a finales del siglo XIX y que se estrenará en España el 17 de abril.

¿Harías de tu misión en la vida el aprendizaje de otro ser humano?

lunes, 26 de enero de 2015

LA MIRADA DEL ARTISTA




El pensamiento abstracto hace referencia a los mundos interiores creados por el ser humano para comprender la existencia. Consiste en la forma en la que las personas agrupan las ideas, conceptos, imágenes y objetos que le permiten contener los conocimientos. 
El pensamiento abstracto es fundamental en la humanidad pues gracias a él se tiene la capacidad para deducir, extrapolar lo aprendido a cualquier otra situación, comparar o sacar conclusiones.  
Lo abstracto utiliza un lenguaje que no tiene forma ni códigos específicos y donde la libertad se ve reflejada sobre todo en el color, representando entidades que no tienen su modelo en la realidad. Existen tantos universos abstractos como personas hay en el mundo.
En el arte se representa no en lo que vemos sino en cómo lo vemos. La línea, el plano y el espacio no significan nada, hasta que adquieren un determinado significado a partir de una descarga de energía que se produce dentro de la mente del artista.
“A veces, surge energía donde creías que no había. Aparece una explosión de la nada, todo se revuelve y mezcla: La luz, la oscuridad, el vacío y el todo. Tratas de dejar atrás, lo que ya no forma parte de ti”.

La pintura abstracta no pretende representar cosas o seres concretos y atiende solo a elementos de forma, color, estructura, proporción, etc.
La poesía abstracta son aquellas palabras sueltas impresas en una hoja de papel que hacen referencia a objetos que no se pueden percibir con los sentidos, sino con la imaginación, como el amor o la felicidad.
Cuando la poesía se hace pintura o la pintura poesía, tenemos ante nosotros una obra de gran magnitud, pues utilizando la sinergia de las dos disciplinas se consigue llegar al público con mayor profundidad.
Cuando un artista pinta un cuadro abstracto, tan sólo pretende ser fiel a su propia naturaleza, siendo íntegro consigo mismo. Pero cuando esta pieza se expone, el que lo mira intenta buscar algún parecido a la realidad para poder entender la obra que tiene delante.
Si el pintor además es poeta, consigue conectar antes con su público pues en la explicación de los cuadros hay un poema que te lleva a la evocación del universo de cada pieza artística.
Este es el caso de Alfredo Molero Doval, un director de casting que compagina su trabajo diario con la pintura y la poesía.
       “Desde muy pequeño dibujaba por los sitios más insospechados, los libros siempre parecían cualquier cosa menos algo para estudiar, garabatos, líneas extrañas, naves espaciales, personas con formas diferentes. Mi cabeza siempre estaba llena de colores, texturas, símbolos... Y un día hace unos cuantos años, delante de mi primer lienzo en blanco, que suele ser algo que aterroriza al artista, me lancé con avidez sobre el mismo. El tiempo pasaba volando, me veía a mi mismo como flotando. Era como experimentar una vida paralela. Los pinceles y espátulas se movían a una velocidad de vértigo y casi sin control, era la primera vez que sentía algo así. Después el despertar, ya no había en mi mente otra cosa: cómo continuar, qué añadir, qué nuevos elementos podría descubrir. Y así comenzó todo”.



“Así es como yo veo y siento el arte. Mediante trazos fuertes, colores potentes y texturas diversas intento captar la esencia de mis sensaciones”.




“El paso del tiempo significa experiencia; lo quemado, lo partido, lo roto, lo desvencijado o lo desechado son una fuente constante de inspiración”.



Alfredo Molero acaba de finalizar una exposición de su última obra, en el club Ramses de la Plaza de la Independencia en Madrid.
“El título de la muestra es "ABRE", y tiene que ver con la evolución personal y la necesidad de rasgarse desde dentro para que fluya todo lo que a veces se queda aprisionado en nuestro interior”.



“Veo en la pintura una forma de expresión y de conexión con el alma. Utilizo y mezclo colores y materiales diversos, pero siempre naturales, como la tierra, la madera o el cristal”.




“El hombre se pone en contacto con el Universo; el fuego, el aire, el viento y todos los sentimientos afloran a la vez como una lluvia de meteoritos que van directamente al espíritu”.



¡ROMPE!
“Sobre la dureza de la piedra, de la vida, el alma viaja libre, los colores se  mezclan y empastan, los diversos tonos suavizan la roca, el día vence a la noche, el movimiento vence a lo establecido”.


¡COMIENZA!
“La intensidad resulta a veces agotadora pero de repente, y sin previo aviso, los trazos son más suaves, todo brilla y luce fresco...Todo sonríe y se mueve como una primavera tardía. En medio del gris otoñal, la luz te rodea aunque solo sea por unos breves momentos”.


SANGRE FRESCA
“De nuevo al agrietarse la textura, la coraza aparece bajo la vida, la libertad, la fuerza. Para que eso ocurra hay que desgarrarse desde dentro, dejar que salga sangre fresca”.


TEXTURAS AGRIETADAS
“A veces, durante el proceso creativo te das cuenta de que estas utilizando texturas agrietadas, como tratando de cerrar viejas heridas que todavía están cicatrizando. O utilizando texturas naturales que parecían muertas, tiradas, abandonadas y les das vida de nuevo, las haces florecer, las conviertes en eternas. Sientes que algo desea salir a la superficie de forma brutal, salvaje, rompiendo cualquier barrera que encuentre a su paso.”



Yo estuve en aquella exposición y me llamó la atención tanto la filosofía del artista como el arte que había en sus lienzos de tamaño gigantesco. Todos los cuadros están hechos en técnica mixta y los materiales usados en el proceso creativo son minerales y diferentes texturas naturales que resultan extrañas o curiosas al verlas de cerca.
Las piezas tienen dimensiones que oscilan entre el metro de ancho hasta los casi dos metros de alto. Siendo algunos cuadros dípticos trabajados juntos y otros por separado, pero expuestos pegados como siameses.


Me dejó exhausta la pintura del cráter.
¿Y para ti, cuál es tu cuadro favorito?