LA MUERTE DEL TANGO

DIMITRI PAPANIKAS

El pasado sábado 26 de abril, a las siete de la tarde se daban cita un buen grupo de argentinos y otros hispano-parlantes –actrices, escritoras y artistas en general–, alrededor de un libro: La muerte del Tango, del historiador y locutor italiano afincado en España Dimitri Papanikas. Todos ellos se aglutinaron en la prestigiosa librería del Soho de Manhattan en Nueva York: McNally Jackson Books. Y es que este establecimiento es algo más que una simple librería, es un lugar de encuentro donde entre las muchas actividades que allí se desarrollan, hay tertulias literarias en Español, con un buen nutrido fondo de libros escritos en lengua castellana.

El McNally Jackson Books fue el lugar elegido para que Dimitri Papanikas –actual colaborador de Radio3 (Radio Nacional de España), con su programa Café del Sur–, contara lo que le llevó a escribir La muerte del Tango.

En este libro, Dimitri nos muestra la vida de un país a través de su folklore haciendo paralelismos con otros tipos de música y cómo ha ido esta sobreviviendo a los cambios de gobiernos y a las diferentes crisis que un pueblo puede llegar a soportar. Tal y como reza su subtítulo : Breve historia política del tango en Argentina.

“La muerte del tango no es más que una metáfora de un proceso político y cultural todavía activo. Es la historia de un sueño constantemente fracasado: la edificación de una nación que hasta hoy ha existido solamente en las fantasías coercitivas de sus clases dirigentes. Un lento y progresivo proceso de institucionalización estrenado por la dictadura militar en 1976 y que, a través del aporte más o menos consciente de numerosos artistas, intelectuales, políticos y periodistas, pasando por iniciativas como la ‘Ley del Tango como parte integrante del Patrimonio Cultural de la Nación’ (1996) y ‘como parte integrante del Patrimonio Cultural de la Ciudad de Buenos Aires’ (1998) ha triunfado internacionalmente con la reciente promoción del tango a patrimonio de la Humanidad” –Nos contaba su autor–.

El Tango nace a finales del siglo XIX entre Montevideo en Uruguay y los arrabales de Buenos Aires y Rosario en Argentina, como una necesidad de comunicación entre sus gentes desde 1869 hasta 1940. Y fue esta sociedad de inmigrantes la que lo hicieron posible, pues llegaron a la Argentina ocho millones de personas procedentes de todos los lugares de Europa. Y eso es lo que ha muerto: El Tango como necesidad de una sociedad.

Así presentó su libro el historiador Dimitri Papanikas (1979) quien comentó que el título no era suyo sino del virtuoso del bandoneón Rodolfo Mederos que fue quien creó la frase. Aunque anteriormente el escritor argentino Jorge Luís Borges criticó en algún momento el Tango, diciendo que prefería La Milonga, que no trasmite la melancolía del primero. Borges es autor de la letra de la milonga (ciudadana) "Jacinto Chiclana". Y por tanto fue el primero que dijo que el tango había muerto.

Papanikas tuvo una agradable conversación con la escritora y profesora Portorriqueña afincada en Nueva York: Arlene Dávila, que ya ha editado su quinto libro y numerosos artículos sobre la política cultural en Puerto Rico, y la latinización de Estados Unidos.

Arlene comentaba con añoranza sus veranos en Buenos Aires. Describía cómo aprendió a bailar Tango y explicaba que lejos de lo que se pueda pensar sobre la subordinación de la mujer a la hora de bailar el Tango, es ella precisamente la que lleva el paso y elige a su pareja mostrando un ligero cabeceo. De esta manera da permiso al hombre para que se acerque y pueda así solicitarle un baile. Recordó cómo tiempo atrás ella misma había bailado un tango con Dimitri sin saber quien era y en este acto se volvían a encontrar. Comentaba que Dimitri –por no saber la costumbre del cabeceo–  se lo saltó a la torera y se lanzó directamente a pedirle un baile.

Arlene tuvo palabras halagadoras sobre La muerte del tango. Declaró que se lo leyó de una sola vez y aconsejó su lectura, pues entiende que el tango está ahora más vivo que nunca desde que la Unesco lo nombró patrimonio de la humanidad el 30 de septiembre del 2008.

El acto fue moderado por otra profesora de la universidad de Nueva York, en este caso la cubana Ana Mª Hernández, directora de Latín, quien lleva viviendo prácticamente toda su vida en Nueva York. Ana María quiso resaltar la figura de Dimitri, pues fue ella precisamente quien admirada por la lectura de su libro, decidió llevarlo a Nueva York para que lo conociera el público latino que allí reside.

La nota musical del acto la puso el grupo de Tango El Pulpo –fundador de Tango Factory–, con la voz de Pablo Pereyra y los dos guitarristas que amenizaron la velada.

Tras el vino portugués  que dieron en la recepción, la audiencia se trasladó a un bar cercano: Tango House donde este grupo musical nos deleitó con una actuación completa del sonido incomparable y siempre vivo del Tango.

¿Crees que el Tango está muerto?

EL MÉTODO DE SUSAN

Pilar Ordóñez en el Susan Batson Studio

La primera vez que entré por la puerta del estudio de Susan Batson –la mujer que ha entrenado a Nicole Kidman, Juliette Binoche, Tom Cruise, Jennifer López, Madonna, Chris Rock o Jaime Foxx…– en el Midtown de Manhattan en Nueva York, me invadió una sensación de vértigo y gratificación por estar en el lugar que durante años había imaginado como ideal para mi trabajo. En menos de una semana ya estaba completamente adaptada, haciendo escenas y monólogos en inglés. Para mí era completamente increíble, porque mi inglés es bastante precario y pensé que me llevaría años poder interpretar en ese idioma, pero con el método de Susan Batson (con la base del Actors Studio) tú puedes hacerlo desde el minuto cero, porque allí lo importante no es hablar más o mejor en esta u otra lengua, sino expresar tus sentimientos, emociones y necesidades conectando visualmente con la persona que imaginariamente está contigo. Y para ello hay una serie de ejercicios que Susan ha creado en su propio método y que hace de cada actor/actriz único en su arte y en su manera de interpretar.

Lo que ella denomina DYOM (Development your own method) –Desarrollo de tu propio método– es el quid de la cuestión. Quien consigue pasar los siete ejercicios de este revolucionario método, tiene pillado el arte de la interpretación. Pero ¡cuidado! que no es tan sencillo superar las diferentes pruebas, pues cada una es eliminatoria y mientras no pases el primer nivel, no podrás intentar el segundo, y así sucesivamente hasta conseguir los diferentes estratos con los que Susan Batson entiende que un actor/actriz está preparado para crear su personaje.

·     1er Ejercicio: EL MOMENTO PRIVADO.

Se necesita recrear un ambiente lo más parecido a tu lugar de esparcimiento (casa, estudio, lugar seguro…), donde te sientas completamente desinhibido. ¡¡Pero alto!!, que para pasar este ejercicio, necesitas buscar dentro de tus sentimientos y encontrar el que te hace más vulnerable. Cuando lo encuentres tendrás la necesidad de hacer algo con él y reaccionarás de cualquier forma de una manera orgánica. Esto te ayudará en un rodaje para recurrir a esa sensación cercana siempre que la necesites.

·     2º Ejercicio: RITUAL.

Se trata de ritualizar la libertad, exonerando a todas aquellas personas, situaciones, sentimientos… que han contribuido a los bloqueos que tienes hoy en día. Y para romper el maleficio, se hace un ritual donde a partir de ese momento el actor/actriz se libera de todas las cargas emocionales que le han lastrado desde la infancia.

·     3er Ejercicio: LLAMADA DE TELÉFONO.

El actor/actriz hace una llamada de teléfono ficticia a una persona a la que necesite decirle algo realmente fuerte y nunca se haya atrevido a hacerlo. Utilizando la cuarta pared para sentirse seguro, el actor/actriz descubrirá todos los sentimientos que tiene dentro y la necesidad de soltarlos. Emoción que después le servirá en cualquier rodaje para conectar con ellos rápidamente.

·     4º Ejercicio: PERDIDO Y ENCONTRADO.

Se trata de figurar una situación en la que la pérdida de algo insignificante, genere en el actor/actriz un estado de tal desazón que le lleve a matar si fuera preciso por encontrarla. Como si se tratara de un yonky en busca de su dosis. De tal manera que al superar este ejercicio, se pueda utilizar esa sensación cada vez que en una película, función, etc., necesites recrear una situación de vida o muerte.

·     5º Ejercicio: ANIMAL.

El actor/actriz deberá elegir un animal con el que se sienta cercano, para observarle e imitar sus movimientos, comportamientos y costumbres, pero humanizándolos. Y así poder sentir las necesidades básicas del animal como propias: comer, dormir, asearse, etc. Esta es una nueva dimensión para después poder crear un personaje, habiendo aprendido previamente los comportamientos del animal elegido, se pueden incorporar al personaje.

·     6º Ejercicio. El ANIMAL VUELVE AL LUGAR DE LA DERROTA.

Se trata de recrear un ambiente donde todo sea caótico y aún así sentirlo como familiar para que el animal ayude al actor/actriz a poder reconocer ese lugar en cualquier plató donde los cables, la gente hablando, cámaras y micrófonos están alrededor y el actor/actriz debe conectarse de todas formas y hacer de ese espacio el suyo, pero además deberá interpretar el momento trágico del animal derrotado.

·     7º Ejercicio. THE TRAGIC FLAW.

Es el momento de crisis del personaje, cuando ha llegado al límite y aún necesita seguir trabajando. Un momento álgido donde las drogas, el alcohol, etc. Llevan a la persona a un instante de histeria en su propio mundo que se ve interrumpido varias veces por sucesivas llamadas telefónicas a las que tiene que atender en ese estado.

Tras estos siete ejercicios, se vuelve a empezar pero con la personalidad del personaje: su momento privado, llamada, animal, etc. Creando una biografía del personaje que será la verdadera herramienta para que el actor dé cuerpo y vida al ser humano que le ha tocado interpretar con todos sus detalles, más allá de la obra o del guión. Y además pueda incorporarle algunos de sus propios sentimientos y necesidades.

Todo son herramientas para facilitar el trabajo en la creación de un personaje, partiendo de tus propias vivencias, y pudiendo abastecerle de ellas. Sin necesidad de memorizar el texto, se puede llegar a las mismas palabras escritas en el guión encontrando su conexión emocional. 

Tanto los novatos como los profesionales, pueden experimentar, improvisar y resolver juntos los problemas que el teatro o el cine les presenta. El entrenamiento actoral está destinado a actores de todos los niveles, pues Susan entiende que al igual que en una película hay actores y actrices de diferentes edades y métodos, en estos ejercicios todos los participantes trabajan conjuntamente y el profesor da las directrices para que todo quede unificado y empastado.

Esta clase se llama EX ER ACTOR (entrenamiento del actor) y consta de cinco partes:

1.- CÍRCULO CONSCIENTE.

Se crea un circulo entre todos los participantes y cada uno va contando cómo se encuentra en ese preciso instante y de lo que es consciente.

2.- CÍRCULO-MOVIMIENTO:

Por turnos van colocándose en el centro del circulo donde desarrollan un ejercicio de movimiento con música y el resto de los participantes imitan todo lo que el/ella hace, devolviéndole como un espejo todo aquello que hace inconscientemente. Cada vez que entra una persona diferente en el centro del circulo cambia la energía y aparece un personaje nuevo.

3.- FLEXIBILIDAD EMOCIONAL:

El profesor invita a crear una sensación concreta que pasa de lo emocional a lo físico como puede ser: El calor, el miedo, el éxito… para que se explore la memoria emocional, la personalización y la sensación corporal.

4.- MONÓLOGO:

A cada actor/actriz se le da un texto de alrededor de diez líneas, –con una historia y situación concreta– que deberá trabajar individualmente durante veinte minutos explorando la memoria sensorial, la personalización y la sensación corporal, el texto y las herramientas fundamentales del análisis del texto. Después hará una improvisación ante la cámara con todas las emociones, sensaciones y necesidades anteriormente descritas.

5.- OBSERVACIONES:

Una vez hecho el trabajo en cámara, se visiona y el actor/actriz recibe correcciones sobre su trabajo y pautas para mejorar. Después se vuelve a repetir la toma.

Todo esto y mucho más se encuentra en el libro de Susan Batson “TRUTH”. Donde explica con todo tipo de detalles las diferentes clases de ejercicios que se deben hacer en este método. Porque no se trata de actuar, sino de recrear la realidad. No tienes que hacer de alguien, tienes que convertirte en otro ser humano con todas sus necesidades, tanto si están presentes en el guión como si están ocultas.

La gran pasión y alegría de Susan Batson es descubrir y desarrollar nuevos talentos.

       Sólo puedo decir que estas clases –donde cada una dura cinco horas y por consiguiente no puedo asistir a todas, pues se solapan unas con otras–, me están sirviendo para tres cosas primordiales: Mi trabajo como actriz, mis clases de inglés y como terapia de grupo. Sin contar que a la vuelta a España, utilizaré lo aprendido como escritora, porque lo podré usar en mi próxima novela/monólogo… Y como artista en general pues me servirá también como directora de teatro y de casting. Una experiencia única que estoy compartiendo con actores y actrices de todo el mundo y de todas las edades.

       ¿Piensas que es necesario para crear un personaje llegar hasta el fondo de tus propias vivencias?